‘접합’부터 초기 실험미술까지···하종현 미국 첫 회고전 9월 개최 > 갤러리

‘접합’부터 초기 실험미술까지···하종현 미국 첫 회고전 9월 개최

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작성자 또또링2
댓글 0건 조회 74회 작성일 26-04-25 08:29

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한국 현대미술의 선구자 하종현(91)의 미국 첫 대규모 회고전이 오는 9월 샌프란시스코에서 개막한다.
이소영 샌프란시스코 아시아미술관(AAM) 관장은 21일 서울 종로구 국제갤러리에서 기자간담회를 열고 ‘하종현 : 회고전’이 AAM에서 오는 9월25일부터 내년 1월25일까지 열린다고 밝혔다. 김선정 아트선재센터 예술감독이 초청 큐레이터로 전시 기획을 맡았다. AAM은 미국에서 가장 많은 2만여 점의 아시아 미술품을 소장한 미술관으로, 미국에서 한국실과 한국미술 부서를 처음으로 만든 곳이기도 하다. 이 관장은 지난해 4월 AAM의 관장 겸 최고경영자로 취임했다.
전시는 북미 미술관에서 처음 열리는 하종현의 개인전으로, 하종현이 1959년 홍익대를 졸업한 직후의 작품부터 90대의 고령으로 만든 최신작까지 50여점을 망라한다. 이 관장은 “하종현을 단색화 화가로만 알다가, 전체 생애에 걸친 작품의 다양성을 보고 놀랐다”고 말했다.
하종현은 마대로 짠 캔버스의 뒤편에서 물감을 앞면으로 밀어내는 ‘배압법’을 활용한 ‘접합’ 연작으로 유명하다. 그러나 1974년 접합 연작을 시작하기 전에는 다양하고 실험적인 작품을 선보였다. 한국전쟁 직후 1960년대 초에는 그림에 불을 그을려가면서까지 검은색을 사용했고, 산업화 시대가 개막할 즈음엔 오방색을 적극적으로 활용했다. 1971년엔 정부의 언론 탄압에 저항하듯 시중의 신문지와 같은 크기의 백지를 나란히 쌓아 올린 ‘대위’를 비롯해 철사나 스프링을 펴거나 꼬아서 만든 작품으로까지 확장했다. 접합 연작을 선보인 이후에도 마대에서 나뭇조각 등으로 재료를 달리하거나 한 작품에 사용하는 물감의 숫자를 늘려가며 변화를 꾀했다.
지난해 아트선재센터는 하종현의 실험적인 초기작에 주목한 전시 ‘하종현 5975’를 연 바 있다. AAM에서 열리는 전시는 해당 전시의 확장판 개념이다. 이 관장은 “많은 작가가 실험성을 갖고 있지만, 하종현은 끊임없이 실험성을 갖고 작품에 변화를 준 작가”라며 “작가는 이번 전시를 위해 신작 2~3점을 만들고 있다”고 말했다.
김 감독은 “한국에서는 하종현이 많이 알려졌지만, 미국 전시에서는 한국의 역사적 변화 속에 예술가로서 그가 어떻게 반응했는지를 중점적으로 보여주고자 한다”고 말했다.
음악가 집안은 낯설지 않다. 대를 이어 작곡을 하고, 같은 집안에서 현악기나 피아노 연주자가 줄줄이 나오는 경우도 어렵지 않게 찾을 수 있다. 하지만 ‘지휘 가문’은 자주 거론되지는 않는다.
지휘는 한 악기를 어려서부터 손에 익히는 것과는 조금 다른 세계다. 악보를 읽는 눈과 해석력, 오케스트라를 이끄는 통솔력과 감각 등 음악을 완성해 가는 데 필요한 복합적인 역량이 함께 쌓여야 한다. 지휘의 계보가 이어지는 데에는 집안에 축적된 음악적 환경이 더 크게 작용한다. 오는 6월 30일과 7월 1일 루체른 심포니를 이끌고 한국 무대에 오르는 미하엘 잔데를링 가문은 그런 계보를 보여주는 대표적 사례다.
미하엘 잔데를링의 아버지는 독일의 거장 쿠르트 잔데를링이다. 나치를 피해 구 소련으로 건너가 활동하기도 했던 그는 레닌그라드 필하모니, 베를린 심포니 오케스트라, 드레스덴 슈타츠카펠레 등에서 20세기 러시아·독일의 전통을 잇는 지휘자로 명성을 쌓았다. 쇼스타코비치 해석의 권위자로 꼽히며 많은 명반을 남겼다. 그는 첫 번째 결혼에서 아들 토마스를, 두 번째 결혼에선 슈테판과 미하엘을 두었는데 세 아들이 모두 지휘자의 길을 걷고 있다.
미하엘은 첼리스트로 먼저 명성을 쌓았으며 이후 지휘로 영역을 넓혔다. 2018년 클래식 리뷰 전문 매거진 ‘신앤허드 인터내셔널’과 한 인터뷰를 보면 “동료들과 함께 연주하다 재미 삼아 시작했다가 열정이 불타오르게 됐다”는 대목이 나온다. 그는 “음악을 접하게 해준 것이 가장 큰 기쁨이자 영향이었고 아버지 없이는 그런 기회가 없었을 것”이라고 말했다. 부자를 넘어 형제까지 지휘봉이 이어진 것은 집안에 축적된 음악 언어와 분위기가 적잖게 작용했음을 짐작하게 한다. 미하엘은 세 형제 가운데 현재 국제 무대에서 가장 전면에 선 인물로 꼽힌다. 드레스덴 필하모닉 수석지휘자를 거쳤던 그는 브루크너, 말러, 슈트라우스 등 후기 낭만 레퍼토리에서 존재감을 보여왔다. 이번 한국 공연에서는 엘가의 첼로 협주곡을 한재민과 협연하고 시벨리우스 교향곡 2번도 들려준다.
에스토니아의 예르비 집안도 빼놓을 수 없다. 네메 예르비가 수석지휘자를 지냈던 로열 스코티시 내셔널 오케스트라(RSNO)는 그를 ‘오늘날 가장 존경받는 거장 중 한 명’, ‘음악 왕조의 수장’이라고 평가한다. 450장에 이르는 방대한 녹음을 남겼으며, RSNO와 함께한 프로코피예프 교향곡 전집, 예테보리 교향악단과 완성한 시벨리우스·닐센 교향곡 전집은 비평가들의 호평을 받은 대표적 녹음으로 꼽힌다.
그의 아들 파보 예르비 역시 세계 최정상급 지휘자로 경력을 쌓았다. 현재 취리히 톤할레 오케스트라 음악감독, 도이체 캄머필하모니 브레멘 예술감독, 에스토니안 페스티벌 오케스트라 예술감독을 맡고 있다. 그는 올 10월 에스토니안 페스티벌 오케스트라를 이끌고 내한해 바이올리니스트 클라라 주미 강과 호흡을 맞춘다.
형 파보가 정통 심포니 무대에서 중심을 잡고 있다면 동생 크리스티안 에르비의 음악적 결은 다소 다르다. 바그너부터 라디오헤드에 이르기까지 장르의 경계를 허무는 독창적 작품들을 선보이고 있는 그를 두고 로이터 통신은 “클래식계에서 가장 영리하고 혁신적인 프로그램 기획자 중 한 명으로 인정받는 인물”이라고 평가했다. 크리스티안은 평창동계올림픽 기념 콘서트에서 예술감독을 맡는 등 한국과 인연이 있으며 2022년 주 에스토니아 한국 명예영사로 임명되기도 했다.
국내에서 떠올릴만한 사례는 정명훈과 아들 정민이다. 정명훈은 현재 KBS교향악단 음악감독을 맡고 있으며 내년부터 세계 최고 오페라 극장 중 하나인 이탈리아 밀라노 라 스칼라 음악감독으 취임한다. 그의 아들 정민은 강릉시향 음악감독이자 도쿄 필하모닉 부지휘자로 활동하고 있다.
입을 굳게 다물어도 눈이 말할 때가 있다. 사진 작가 육명심(1933~2025)의 ‘백민’ 연작 중 ‘강원도 강릉’(1983)은 그렇게 보는 이를 멈춰 세운다. 육명심은 1970년대 ‘한국적인 것’을 탐구하고자 다양한 인물 군상을 사진으로 담았다. 화면을 채운 농촌 지역의 무속인들과 농민들의 표정은 담담하지만, 눈빛만으로도 묘한 느낌을 불러일으킨다.
뮤지엄한미 삼청본관에서 열리고 있는 전시 ‘모든 순간이 꽃봉오리인 것을’은 한국 사진의 선구자 4명을 기리는 전시다. 육명심은 한국인, 홍순태(1934~2016)는 서울이라는 도시, 한정식(1937~2022)은 자연과 사물, 박영숙(1941~2025)은 여성에 각각 주목해왔다. 육명심의 인물처럼 다른 세 작가가 포착한 대상들은 사진 속에서 뚜렷한 특징으로 존재감을 드러낸다.
홍순태의 ‘청계천’과 ‘서울’ 연작에서는 지금 상상할 수 없는 서울의 옛 모습을 확인할 수 있다. 청계천이 복개되기 전 밀집했던 판자촌과 물을 따라 놀던 아이들의 모습이 담겼다. ‘서울’ 연작 중 ‘중구 명동’(1971)에서 한 노인은 경향신문 뭉치를 들고 잔뜩 경계 어린 눈빛으로 카메라를 노려보며 관객의 시선을 사로잡는다.
여성에게 가해진 억압에 저항해 온 박영숙의 초기 연작 ‘36인의 포트레이트’도 함께한다. 4명 중 유일한 여성 작가인 그는 여성이 사진을 찍는 주체로 인정받기 어려울 때부터 활동했다. ‘36인의 포트레이트’는 박영숙이 1979년 유방암 수술을 받은 뒤 삶을 돌아보며 그간 만난 예술가들을 촬영했는데 대부분 여성이다. 가수 한영애, 배우 박정자의 젊은 시절을 보는 것도 흥미롭다.
한정식은 인물이 아닌 자연과 사물을 사진에 담았다. 대표 연작 ‘고요’는 사람이나 생물이 끼어들 틈이 없을 만큼 화면에 자연이나 사물을 꽉 채워 담아냈다. ‘경상남도 양산 영축산 통도사’(2006)는 고찰을 이루는 나무를 가까이 촬영했는데 나뭇결이 한 폭의 추상화처럼 찍혔다. 사진 속 자연과 사물을 보고 있으면 고요한 바람이 부는 산사 한가운데 있는 것만 같다. 전시는 7월19일까지. 관람료는 성인 1만5000원.
서울 종로구 PKM갤러리에서는 현역 사진작가 이정진(65)의 개인전이 열리고 있다. 지난해 영국과 스위스에서 공개한 신작 ‘Unseen’ 연작(2024)을 국내에서 처음 선보인다. 이정진은 2024년 5월 아이슬란드를 방문해 거친 바람과 파도, 매 순간 변하는 날씨를 촬영했다. 1980년대 미국에서 사진을 공부하며 주로 찍었던 미 대륙의 사막과는 정반대의 환경이었다.
가디언은 지난해 런던에서 열린 그의 ‘Unseen’ 연작을 가리켜 “우리 내면의 모든 것을 담아낼 수 있는 풍경”이라고 평가했다. 시시각각 변하는 풍경은, 내면에서 무엇을 생각하느냐에 따라 눈앞에서 달리 보일 수 있다.
이정진은 한지에 붓으로 감광 유제를 바른 뒤 그 위에 사진을 인화하는 방식으로 작업한다. 흑백으로 촬영한 사진을 자세히 보면 감광 유제를 여러 차례 바르는 과정에서 남은 붓질이 보인다. 남에게 맡길 수 없는 이 작업에만 10개월이 걸렸다. 작가가 명상에 빗댈 만큼 수고한 흔적이 작품에 남아 있기 때문인지 사진에 담긴 물과 파도와 바위, 빙하의 모습이 경건하게 다가온다. 전시는 다음달 23일까지.

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